아트인네이처의 기획전시 '원로작가 다큐레이팅 프로젝트' 전시를 소개합니다.

다큐레이팅은 '다큐'와 '큐레이팅'의 합성어로, 예술가의 생애와 예술세계를 깊이 있고 조명하고자 하는 의미가 있습니다.

본 프로젝트를 통해 생애 전반을 예술과 함께한 작가들의 예술세계를 조명하고,

생동감 있는 기록물로 그들의 역사를 보존하고자 합니다.

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2026년의 첫 번째 다큐레이팅 참여 작가로 이세훈 작가님을 모셔보았습니다.

이번 전시는 '공존의 경계에 흐르다: 파괴와 생성, 그리고 시선의 궤적'입니다.

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우리는 과연 타인, 그리고 자연과 진정으로 어울려 살아가고 있을까요?

이번 전시 《공존의 경계에 흐르다》는 그동안 삶과 생명의 순환을 다루어온 ‘영성의 고리’ 연작의 연장선에서,

나와 너, 인간과 자연 사이에 존재하는 경계와 그 의미를 흙이라는 따뜻한 매개체로 풀어냅니다.

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이번 전시는 어렵고 거창한 담론을 전하기보다

비워냄으로써 비로소 마주하는 순수한 깨달음의 공간으로 깊은 사색과 마주하기를 바랍니다.

흙이 전하는 조용한 울림 속에서,

잠시 멈추어 서서 나 자신과 주변을 부드럽게 감싸 안는 편안한 사색의 시간을 가져보세요.

 

異名Alias : 원래의 이름을 잃고 다르게 불리는 낯선 정체성, 명칭

耳鳴 Tinnitus : 내면에서 거꾸로 들려오거나 일상의 소음을 뚫고 들려오는 기이한 주파수

내가 잘 알고 있다고 믿었던 대상이 문득 낯설게 느껴지거나, 몰랐던 존재가 눈앞에 불쑥 나타날 때가 있다. 이 전시는 두려움과 익숙함, 현실과 환상처럼 서로 반대되는 감각들이 뒤섞이고 뒤집히는 순간을 다룬다.

공포와 익숙함, 긍정과 부정, 내면과 외면, 현세와 이세계. 이 전시는 이 대립하는 감각들이 어느 한쪽으로도 완전히 기울지 않은 채, 낯익음과 낯섦이 동시에 존재하는 그 애매한 경계를 드러낸다. 거창한 환상과 평범한 일상의 경계가 무너지는 낯선 틈새와 공간을 기획한다.

“Alias” refers to an obscure identity that has shed its original name to be called by another, while “Tinnitus” signifies an intimate, internal sound audible only to myself.

There are moments when what I believed I knew well suddenly confronts me with an alien face, or when an unknown presence abruptly enters my field of vision. My work revolves around moments of encounter where opposing sensations—fear and familiarity, the tangible and the fantastical, positive and negative, the mundane and the otherworldly—intersect, hybridize, and are ultimately subverted.

Refusing to settle on either pole, I delve into the transient, in-between threshold where these conflicting perceptions coexist. Through this exhibition, I bring to life strange crevices and uncanny spaces where the rigid boundary between grand mythologies and ordinary reality completely collapses.

 

빛은 무언가에 닿고 표면에 스며들어야 비로소 빛이 된다.

흙을 만져온 나날, 손끝으로 내면의 빛을 빚는다.

주정미의 첫 번째 개인전, 정통 창살 문양을 새기다 마주한 두 개의 십자가와 뚫린창호지 창처럼, 이번 전시는 삶의 궤적과 가족을 향한 마음이 머문 작고 따스한 빛의 틈을 세상에 조심스레 내어놓는 자리다.

매일의 밥상을 채우던 반상기에 봄, 여름, 가을, 겨울의 순환하는 시간을 담아낸다. 봉오리에서 만개로 이어지는 형태와 계절의 볕을 닮아 번져가는 유약의 흐름은 흙과 불을 지나며 비로소 각 계절의 고유한 표정을 얻는다.

새롭게 일군 나만의 공간에서 쏘아 올린 이 소박하고 정직한 그릇들이, 전시를 마주하는 이들의 밥상과 마음에 따뜻한 빛 한 점으로 스며든다.

Light only becomes light when it touches a surface and seeps into its texture.

Through days spent working with clay, the artist's practice shapes the light within through tactile fingertips.

Unfolding like the two crosses encountered while carving traditional lattice motifs and the delicate glimpses seen through a pierced paper window, this exhibition gently presents the subtle, warm chinks of light that trace the trajectory of a life and a deep, devotional affection for family.

The collection explores the cyclical rhythm of the all Seasons within a traditional tableware set, the foundational vessels that anchor our daily meals. Silhouettes transitioning from tightly closed buds to full bloom, alongside an amalgam of glazes spreading like seasonal sunlight, pass through earth and fire to bring to life the distinct countenance of each season.

Conceived in a newly cultivated personal sanctuary, these honest, humble vessels enter into a quiet dialogue with the viewers, permeating their tables and hearts as a radiant ray of light.

청주 갤러리원 A관 김다겸 개인전

갤러리 원 청주점에서 김다겸 개인전이 전시 진행됩니다.

08월 19일부터 08월 30일까지 연중무휴 전시 진행되오니,

많은 관심과 사랑 부탁 드립니다.

[김다겸 작가노트]

저는 바다에서 느꼈던 위로와 해방감을 작업의 출발점으로 삼습니다. 바다는 저에게 단순한 풍경이 아

니라, 복잡한 감정을 잠시 내려놓고 마음을 쉬게 하는 공간입니다. 제 작업은 바다의 깊은 모습보다 

물결과 기포, 물의 흐름처럼 끊임없이 변화하는 표면의 움직임을 담아내는 데 집중합니다.

표현 방식은 플루이드(Fluid) 기법을 기반으로 하지만, 일반적으로 사용하는 푸어링 미디엄 대신 지점

토를 물에 녹여 사용하고 한국화 안료를 더해 작업합니다. 지점토가 가진 높은 점성과 밀도는 물감이 

천천히 겹쳐지고 흐르도록 만들어 바다의 유동적인 움직임과 층을 자연스럽게 표현하게 합니다. 여기

에 한국화 안료를 사용하여 한국화의 정체성을 유지하면서도 새로운 표현 가능성을 탐구하고 있습니

다.

제 작업은 결국 '흐름'과 '위로'에 대한 이야기입니다. 끊임없이 변화하는 물의 흐름을 통해 감정의 움

직임을 표현하고, 바다에서 받았던 편안함과 위로가 작품을 마주하는 이들에게도 조용히 전해지기를 

바랍니다

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<전시정보>

■ 전시 장소 : 충북 청주시 상당구 상당로81번길 63. 1층 갤러리 원

■ 전시 일정 : 2026.08.19 (수) ~ 2026.08.30 (일)

■ 관람 시간 : AM 11:00 ~ PM 20:00

■ 입장료 : 무료

■ 관람 일정 : 월~일 (연중무휴)

■ 문의 : (043-221-5985)

■ 홈페이지 :청주 갤러리 원 (@cheongju\_gallery\_one) / blog.naver.com/gallery\_one​

청주 갤러리원 B관 청주 공예협회전

갤러리 원 청주점에서 청주 공예협회전이 전시 진행됩니다.

08월 22일부터 08월 30일까지 연중무휴 전시 진행되오니,

많은 관심과 사랑 부탁 드립니다.

[전시 소개]

이번 전시를 위해 정성과 열정을 담아 작품을 준비하신 청주공예협회 회원 여러분께 

깊은 존경과 감사의 말씀을 드리며, 전시를 위해 애써주신 여러분께도 따뜻한 격려를 

전합니다.

공예는 오랜 시간 이어져 온 우리의 전통과 문화를 담아내는 예술인 동시에, 오늘의 

삶을 더욱 풍요롭게 만드는 창조적 가치입니다. 장인의 손끝에서 탄생한 작품에는 

기술과 미감뿐만 아니라 작가의 철학과 삶의 이야기가 담겨 있으며, 이는 사람들에게 

깊은 감동과 공감을 전합니다.

청주는 대한민국을 대표하는 공예문화도시로서 전통과 현대가 조화를 이루며 새로운 

공예문화를 만들어가고 있습니다. 

그 중심에서 청주공예협회는 지역 공예문화의 발전과 공예인의 창작 활동을 이끌며 

공예의 가치를 널리 알리는 데 중요한 역할을 해오고 있습니다. 이번 전시 또한 지역 

공예의 현재를 보여주는 뜻깊은 자리이자, 앞으로의 가능성과 미래를 함께 그려보는 

소중한 기회가 될 것입니다.

충북공예협동조합 역시 지역 공예인들의 창작 기반을 더욱 넓히고, 공예가 지역문화와 

산업을 연결하는 중요한 자산으로 자리매김할 수 있도록 함께 협력하고 응원하겠습니다. 

이번 전시가 참여 작가들에게는 자긍심과 새로운 도전의 계기가 되고, 관람하는 

모든 분들께는 공예가 지닌 따뜻한 감성과 아름다움을 만나는 뜻깊은 시간이 되기를 

바랍니다. 

다시 한번 청주공예협회 전시회를 축하드리며, 이 시간이 여러분께 의미있고 특별한 

시간으로 기억되길 바랍니다

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<전시정보>

■ 전시 장소 : 충북 청주시 상당구 상당로81번길 63. 1층 갤러리 원

■ 전시 일정 : 2026.08.22 (금) ~ 2026.08.30 (일)

■ 관람 시간 : AM 11:00 ~ PM 20:00

■ 입장료 : 무료

■ 관람 일정 : 월~일 (연중무휴)

■ 문의 : (043-221-5985)

■ 홈페이지 :청주 갤러리 원 (@cheongju_gallery_one) / blog.naver.com/gallery_one​ 

 

*전시 제목: 가물 玄(Unseen) ,

*전시 기간: 2026.08.28-10.25 / 11:00-17:00 / 매주 화요일, 공휴일 휴무

*장소: 갤러리 궁 / 2층-3층

*오프닝 이벤트: UNSEEN : SOUNDIMAGE 8월 28일(금) 오후 19:00

갤러리 궁은 8월 28일부터 10월 25일까지 김유경 작가의 개인전 《가물 玄(Unseen)》을 개최합니다. 이번 전시는 장소에 대한 기억에서 출발한 (2026) 시리즈와, 식민과 냉전의 영향 아래 끊임없이 변모해 온 땅을 탐색한 (2025–2026) 시리즈로 구성되며, 회화와 설치, 드로잉, 영상을 통해 보이지 않는 시간과 존재의 층위를 다채롭게 조명합니다.

전시 제목 ‘가물 현(玄)’은 단순히 검은색만을 의미하지 않습니다. ‘玄’은 깊고 멀어 검게 보이는 상태이자, 안과 밖, 보이는 것과 보이지 않는 것이 맞닿는 경계, 그리고 쉽게 구분되지 않는 문턱 을 뜻합니다. 작가는 이 단어를 ‘가물가물하다’라는 말의 감각과도 연결합니다. 희미해진 기억, 소멸하지 않는 풍경, 존재와 부재 사이를 오가는 흔들림처럼, 선명하게 규정되는 형상보다 시간 속 에 스며든 기운과 흔적에 주목합니다. 작가에게 그것은 사라짐이 아니라 또 다른 방식의 존재입니다.

작가는 특정 장소에 축적된 시간과 보이지 않는 풍경을 꾸준히 탐구해왔습니다. 작가에게 작업이란 대상을 있는 그대로 재현하는 것이 아니라, 장소와 오랜 관계를 맺으며 그 안에 겹겹이 쌓인 역사와 기억, 기운을 더듬는 과정입니다. 작가는 선명해지기 직전과 사라지기 직전의 상태를 붙잡으며 관객 스스로 풍경 너머를 상상할 수 있도록 유도합니다.

은 작가의 고향인 부산에 대한 개인적 기억과 익숙한 장소를 다시 마주한 경험에서 출발했습니다. 작가가 어린 시절을 보낸 해안은 매립되어 바다가 아닌 땅으로 변했고, 익숙했던 풍경 역시 끊임없이 모습을 바꾸었습니다. 낯설게 변해버린 그곳에서 우연히 옛 기억을 불러일으키는 오래된 숲을 마주한 작가는, 변화 속에서도 끊이지 않고 이어지는 생명의 흔적을 발견합니다. 흰 여백 위에 겹겹이 쌓이는 검은 선들은 이러한 미세한 움직임을 포착하며, 얽

히고 이어지는 교차를 통해 화면에 고유한 생명력을 불어넣습니다.

전시의 중심축인 은 식민과 냉전의 흔적이 중첩된 땅을 오래 답사하며 형성된 시선에서 비롯되었습니다. 작가에게 이 땅은 과거와 현재, 인간과 자연의 시간이 겹쳐지며 생동하는 공간입니다. 작품 속 검은 땅과 바위, 뿌리와 나무는 눈에 보이는 대상을 넘어 그곳에 켜켜이 쌓인 역사와 삶의 흔적, 보이지 않는 기운을 응축한 회화적 결과물입니다. 함께 선보이는 영상 작가와의 협업 작업은 ‘가물 玄’이 품은 다층적인 의미를 새로운 시간성과 움직

임으로 확장하려는 시도입니다.

《가물 玄(Unseen)》은 보이지 않는 시간을 일방적으로 드러내기보다, 너무 깊고 오래되어 손에 쉽게 잡히지 않는 세계 앞에 가만히 머물게 하는 전시입니다. 관객은 원초적이고 침묵하는 흑백의 회화, 그리고 시간의 흔적을 새로운 시간성과 움직임으로 확장한 영상 앞에서 명확한 형상을 찾기보다 경계에 머무는 경험을 하게 됩니다. 이를 통해 우리가 지나온 시간과 지금의 풍경 너머에 있는 또 하나의 세계를 마주하게 될 것입니다.

*전시 기간: 2026.8.28 – 9.19 / 11:00-17:00 / 매주 화요일, 공휴일 휴무

*장소: 갤러리 재희 / 부산 해운대구 좌동순환로8번길 49, 2층

*오프닝 리셉션: 8월 28일(금) 오후 17:30

이번 전시 《별을 찾아가다》는 생텍쥐페리의 소설 『어린 왕자』에서 출발합니다. 강석태 작가에게

어린 왕자는 하나의 소재를 넘어, 삶의 고비마다 곁을 지켜준 동행이었습니다.

중학생 시절 마주한 어린 왕자는 위로가 되어주었고, 어두운 시간을 통과할 때는 빛이 되어주었습니다. 그렇게 시작된 대화는 2002년 첫 개인전 《별을 찾아가다》로 이어졌고, 20여 년이 흐른 지금 같은 제목으로 다시 관객 앞에 놓입니다.

강석태 작가는 어린 왕자의 ‘용기’를 부러워했습니다. 가본 적 없는 세상으로 떠날 수 있었던 그 마음입니다. 작은 별에 세상 하나뿐인 장미와, 노을을 마흔네 번이나 바라볼 수 있는 의자가 있었음에도 어린 왕자는 왜 별을 나섰을까요. 작가는 그 답을 스스로 더 단단해지기 위한 여정이었으리라 짐작합니다. 그리고 작가 스스로에게 묻습니다. 오늘 나는 그 별을 찾았을까? “이번 전시 《별을 찾아가다》는 작가가 오랫동안 품어 온 질문에 대한 용기이자 응답입니다. 순수했던 시절의 자신을 복기하며 걸어온 20여 년의 기록을 따라가다 보면, 관람객 각자의 마음속에도 잠시 떠나온 자신만의 별 하나가 떠오를 것입니다.” 

라고 전시 기획을 한 갤러리 재희 관장 백철준은 전했다.

강석태 작가는 추계예술대학교 미술대학 동양화과와 세종대학교 대학원 동양화전공을 졸업하고, 추계예술대학교 대학원에서 문화예술학 박사 학위를 받았다. 2002년 개인전 《별을 찾아가다》로 어린 왕자를 소재로 한 작업을 시작한 이래 22회의 개인전과 200여 회의 단체전에 참여해왔으며, 제22회 중앙미술대전 특선, 한·독미술협회 공모전 특별상 등을 수상했다. 가족 에세이 『어린 왕자에게 말을 걸다』, 『AI시대의 문화예술 읽기』(공저) 등을 출간했으며, 2023년부터는 강원

도 양구군과 함께 〈리틀 박수근 프로젝트〉를 기획·진행하며 지역 어린이 미술교육에도 참여하고있다. 

강석태 작가

인스타그램 @seoktae.kang

갤러리 문의

갤러리 재희 | 010-6212-7883 | seoya415@gmail.com

부산 해운대구 좌동순환로8번길 49, 2층

미국의 철학자 존 듀이(John Dewey)는 『경험으로서의 예술(Art as Experience)』에서 예술을 삶과 분리된 대상으로 보기보다, 인간과 환경이 관계를 맺고 상호작용하는 과정에서 이루어지는 하나의 경험으로 바라보았다. 작품을 둘러싼 공간과 시간, 감각과 움직임 역시 예술을 구성하는 중요한 요소가 된다. 이러한 관점에서 이번 전시는 작품을 바라보는 행위에만 머무르지 않고, 작품과 공간, 관객과 분위기가 어우러지며 만들어내는 확장된 예술 경험에 주목한다.

서유라는 책과 텍스트를 회화의 언어로 전환하여, 읽는 대상으로서의 텍스트를 보는 이미지로 확장한다. 정인지는 텍스트와 픽셀, 빛을 활용해 이미지와 공간의 관계를 탐구하고, 시각적 구조를 색과 리듬으로 변주하며 새로운 감각을 환기한다. YEKKI는 다중시점과 과감한 스케일의 왜곡을 통해 일상의 사물과 장면을 재구성하고, 현실과 상상이 교차하는 낯선 세계를 만들어낸다. 서로 다른 매체와 표현 방식을 사용하는 세 작가의 작업은 익숙한 것을 새로운 시선으로 바라보게 한다는 점에서 만난다. 관객은 작품 속에서 자신이 알고 있던 이미지와 사물을 발견하는 동시에, 작가의 시선을 통해 새롭게 전환된 또 다른 모습을 마주하게 된다.

《After Hours: 밤이 되면 달라지는 감각》은 미술과 음악, 공간과 라이프스타일이 자연스럽게 만나는 자리이다. 밤이 된 갤러리에서 작품을 보고, 음악을 듣고, 공간을 거닐며 사람들과 이야기를 나누는 시간. 익숙한 것들에 새로운 감각을 더하는 순간, 그렇게 예술은 우리의 삶 가까이에서 다시 경험된다.

캔버스 위에서 피어나는 행복의 멜로디 — 이번 전시는 슈어킴 작가의 세 번째 시리즈 전시로, 작가의 다채로운 예술적 스펙트럼을 한눈에 확인할 수 있도록 세 가지 테마의 시리즈를 옴니버스 형식으로 구성하였습니다.

Theme 1. 행운을 전하는 요정 〈럭키플라워와 꽃요정 럭키플로리〉

네 개의 꽃잎을 가진 귀여운 꽃요정 럭키플로리가 안내하는 동화 같은 행복의 세계입니다. 행운 꽃요정이 꽃밭을 뛰어다니며 행운을 나누어 준다는 동화적 상상력 가득한 작품으로, 관객들에게 시각적 유희와 정서적 행복감을 선사합니다.

Theme 2. 공간을 채우는 아름다움 〈복화시리즈〉

인테리어적 아름다움과 풍요와 번영의 의미를 세련된 감각으로 담아낸 꽃과 화병 시리즈입니다. 화려한 꽃과 화병에 귀여운 비휴들이 모여 자유롭게 노는 모습이 함께 그려집니다.

Theme 3. 전통과 현대의 유쾌한 만남 〈비휴 시리즈〉

민화와 전통 조각에서 재물과 복을 불러들인다고 전해지는 비휴를 재치와 위트를 더해 귀엽고 친숙한 캐릭터로 재해석했습니다. 일상의 행복을 함께 나누는 행운의 친구이자, 미소를 자아내는 위트 있는 위로입니다.

행운의 꽃요정부터 풍요를 담은 화병, 미소를 자아내는 귀여운 비휴까지 — 삶을 예술적 럭셔리로 채워줄 슈어킴 작가의 세 가지 행복 선물을 만나보세요.

■ 전시 개요

- 전시명: 행운을 드려요

- 작가: 슈어킴 (Sure Kim)

- 기간: 2026. 6. 18 – 8. 30 (월–일 11:00–19:00)

- 장소: 슈갤러리 (서울특별시 중구 남산동2가 24-9, 명동역 인근)

- 홈페이지: https://suegallery.com

- 인스타그램: @suegallery.23

8월 여름의 끝자락, 이주선 작가님의 워크숍 및 퍼포먼스

'서로에게 닿는 방식'이 2026. 08.30. 일요일 오후5시에 진행될 예정입니다.

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이주선 작가의 퍼포먼스는 서로 다른 성질을 가진

몸과 재료의 직접적인 접촉에서 발생하는 변화에 주목한다.

비즈와 쇠사슬을 몸에 비비고 끌어당기며 감싸는

반복적인 행위를 통해 무게, 마찰, 진동, 소리와 같은 감각적 경험을 탐색한다.

미리 정해진 안무 대신 순간순간 몸이 느끼는 압력과 재료의 물성에 반응하며,

몸과 오브제가 서로에게 영향을 주고 변화하는 과정을 즉흥적으로 풀어낸다.

몸과 재료 사이에 형성되고 사라지는 일시적인 관계와

그 순간의 움직임을 통해 새로운 감각의 장면을 만들어낸다.

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포퍼먼스와 아티스트 토크도 함께 열릴 예정이니, 많은 관심 부탁드립니다.

정황래 개인전

일시 2026.08.19.(수) ~30.(일)

장소 CN갤러리 (서울시 종로구 북촌로 5길 56-7)

영업시간 10:00~18:00 (월요일, 공휴일 휴무)

걸어온 산수, 그려낸 시간 - 산수 여행

이번 전시는 20여 년 전, 한여름의 산수 여행에서 시작되었다. 

오래도록 마음속에 접어 두었던 그 여정의 장소는 금강산이다. 이제 그곳은 사생의 기록과 당시의 현장 사진, 그리고 기억의 잔상으로만 남아있는, 다시는 쉽게 갈 수 없는 산수 체험의 공간이 되었다.

 2007년 여름의 초입에서 잠시의 체험은 출발하기 전부터 옛 선인들의 명작이 제작된 그곳을 볼 수 있다는 설렘에 주섬주섬 배낭을 챙기던 모습이 벌써 오래된 이야기가 되었다. 동해안을 따라 육로로 들어간 금강산은 설악산과 이웃해 산세와 산수의 분위기가 비슷해 보였지만 등산로를 따라 이동하며 마주하는 산수풍경은 눈길이 머무는 곳마다 작품의 모습으로 다가왔다. 상팔담과 구룡폭 코스에서 마주한 금강의 모습과 삼선암과 만물상 코스에서 체험한 금강은 시간을 거슬러 겸제와 단원, 그리고 소정의 발길이 머문 명소를 선인의 발길을 따라 탐방하는 체험으로 현장에서 시각과 청각을 통해 대면한 진풍경은 마치 내가 그들의 그림 속을 걷는 듯한 시간여행이 되었다. 이후 나에 그림은 많은 변화를 거쳤으며 금강산 체험에 이어 설악산과 중국의 황산, 화산, 숭산, 태항산, 태산 등을 오가며 산수의 참모습을 찾는 긴 여정은 지금도 지속되고 있다.

 가보고 싶고, 바라보고 싶으며 머물며 느낄 수 있는 곳을 다시 찾아가라고 하면 첫 번째가 나에게는 금강산이다. 옛 선인들의 주요한 산수 체험 지역이자 많은 작품이 제작되어 후세에 전해지는 명작의 산실인 금강산을 가까이에서 그리고 발길 따라 걸어보고 느낄 수 있음이 지금도 기억의 한편을 차지하고 있다.

 이제 오래전의 기억은 마음속에 잔상이 되었으며 이제야 그 마음의 잔상들을 하나씩 연결하여 화지에 기록하는 작업을 통해 이번 전시를 준비하였다.

 이번 전시는 ‘사생에서 산수로’라는 부제처럼 객관적 시각을 주관적 시각으로 전환하는 산수 표현으로 다음과 같이 구분하여 볼 수 있다.

 첫 번째는 금강산을 중심으로 하는 산수 이야기이다. 그곳을 걸으며 보고 듣고 관찰하면서 느낀 산수의 이미지를 조합하는 방식으로 금강산의 구룡폭포와 삼선암, 만물상 지역의 산수풍경을 하나의 화면(223×610cm)에 순 수묵으로 표현하였다, 일반적으로 수묵과 담채를 혼합하여 작화하는 방식에서 벗어나 기타의 색채를 배제하여 먹빛의 단색이 주는 깊이감에 중점을 두었다. 화면의 구성은 좌측면에 구룡폭을, 우측면에 귀면암과 삼선암을, 중앙부에 만물상을 배치하여 전체적으로 만물상을 주봉으로, 좌우로 펼쳐지는 무한의 공간감을 형성하고자 하였다. 세부적으로는 구룡폭을 마주하는 관폭정과 만물상을 오르며 마주하는 금강문, 삼선암 아래 가교와 등산객의 모습들이 점경으로 위치하여 인간과 자연의 동화적인 공간으로 가고 싶고 머물고 싶으며 바라볼 수 있는 산수 여행의 이상향을 나타내고자 하였다. 

 두 번째는 발길 따라 펼쳐지는 산수 체험의 지각적 인상을 그때, 그곳에서 제작하는 방식인 사생 작품들이다. 산수 여행을 다니며 그날그날 체험한 내용을 늦은 시간까지 숙소에서 기록하는 것이 일상이 되었는데 지금까지 다녀온 산수 체험의 기록이 때론 대형 작업(태항소견1. 213×545cm)으로 제작되기도 하였으며 두루마리 형식(황산도, 39×813cm 외 10여 점)으로 현장에서 보고, 듣고, 생각하는 것을 기록화한 작품들이다. 

 세 번째는 산수 현장에서 보고 듣고, 느낀 것의 함축적 조합으로 수묵의 필획에 산수의 형(形)을 단순화하는 작업이며 이는 수묵농담(水墨濃淡)의 층차와 변화, 운필(運筆)의 자유로움, 그리고 그곳에 머물고자 하는 나 자신에 모습을 통해 스스로의 자연을 추구하는 작업으로 이어지는 작품들이다.

 산수를 체험하는 것은 보는 이의 마음과 생각, 그리고 시각에 따라 늘 다양한 모습으로 다가오며 오늘과 내일이 다르듯 마주하는 산수는 언제 찾아도 새로움으로 다가온다. 

- 정황래 작가 노트 中

■ 홈페이지 :원주 갤러리 원(@wonju_gallery_one) / blog.naver.com/gallery_one 

이번 전시는 한국 개념미술에서 독자적인 예술세계를 구축한 우순옥 작가의 1981년 초기 작업부터 작고 직전까지의 작업을 조망하는 전시입니다.

우순옥(1958-2023)은 이화여대에서 순수회화를 공부한 후, 뒤셀도르프 쿤스트아카데미에서 귄터 우커를 사사했습니다. 귀국 후에는 1995년부터 2022년까지 이화여대 교수로 재직하며 후학을 양성하기도 했습니다.

우순옥이 평생 탐구한 것은 기억과 시간, 공간, 그리고 인간의 존재와 그 사유였습니다. 이를 표현하기 위해 물감과 캔버스뿐 아니라 연기, 녹, 빛, 식물, 오래된 사물, 옷, 영상과 소리 등 일상의 모든 것을 작품의 매체로 끌어들였습니다. 특히 그는 예술가로서 모든 것을 자신의 의지대로 통제하기보다 사물과 자연이 지닌 시간과 우연성을 받아들이고, 변화의 과정 자체를 예술로 바라보았습니다. 이러한 태도는 특히 2016년 《무위예찬》에 잘 드러납니다. 여기서 ‘무위’란 아무것도 하지 않는 것이 아니라, 자연과 사물이 스스로 변화하고 드러나도록 기다리는 태도입니다.

우순옥에게 예술은 특별한 곳에 따로 있는 것이 아니라 우리가 살아가는 시간과 공간, 무심코 지나치는 일상 속에 이미 존재했습니다. 이번 전시의 제목 《예술은 이미 당신의 마음속에 있다》 은 2011년 작품의 제목에서 그대로 인용됐습니다.

1. 전시 개요

• 전시 제목: 《우순옥_ 예술은 이미 당신의 마음속에 있다》

• 전시 작품: 회화, 드로잉, 설치, 영상 등 작가 생전의 대표작 총 망라

• 전시장소 : 성곡미술관 전관

• 전시 기간: 2026년 8월 12일(수) – 10월 3일(토)

    (오전 10시 - 오후 6시, 매주 월요일 휴관)

• 전시 기획: 이수균(성곡미술관 부관장) x 우수경(우순옥의 동생)

• 주최/주관: 성곡미술관

• 전시자문 : 김홍석(상명대학교 무대미술전공 교수),

안소연(아틀리에 에르메스 아티스틱 디렉터),                

홍승혜(작가)

• 후    원 : 성곡미술문화재단, 국제갤러리, 한국문화예술위원회, 시각예술 창작주체

• 티켓가격 : 성인　- 7000원

단체, 장애인, 65세 이상　- 5000원　

중고등학생　- 5000원

초등학생　이하 무료 입장  

2. 전시 소개

1) 한국 현대미술에서 자신만의 개념미술 세계를 구축한 우순옥 작가의 첫 회고전

• 성곡미술관은 2023년 작고한 우순옥의 예술 세계를 총체적으로 살펴보는 첫 회고전을 개최한다.

• 1980년대 초기 드로잉부터 작고 직전의 대표작까지 회화, 드로잉, 설치, 영상 등 다양한 작품을 통해 작가가 평생에 걸쳐 구축한 조형 언어와 예술적 성취를 소개한다.

• 이번 전시는 한국 현대미술에서 우순옥이 차지하는 미술사적 위치를 재조명하는 동시에 그의 작업이 오늘날 우리 사회에 던지는 의미를 새롭게 살펴본다.

2) 존재와 기억, 장소를 향한 평생의 탐구

• 이화여대 미술대학과 대학원에서 미술을 공부한 후, 독일로 유학을 떠난 작가는 뒤셀도르프 쿤스트아카데미(Kunstakademie Düsseldorf)에서 귄터 우커(Günther Uecker, 1930–2025)에게 수학한 후 《생각은 그림자》(1981) 작업을 시작으로 《물질비물질》(1993), 《나비의 꿈》(1996), 《한옥 프로젝트》(2000), 《장소 속의 장소》(2002), 《아주 작은 집》(2006), 《무위예찬》(2016)에 이르기까지 존재와 인식, 기억과 장소를 둘러싼 근원적인 질문을 일관되게 탐구했다.

• 그의 작업은 삶과 예술, 개인의 기억과 세계, 보이는 것과 보이지 않는 것의 관계를 사유하며 한국 개념미술의 독자적인 흐름을 형성했다.

3) 물질을 통해 보이지 않는 세계를 드러내다

• 우순옥은 물질과 비물질, 존재와 부재, 생성과 소멸을 서로 대립하는 개념이 아니라 끊임없이 이어지는 관계와 순환의 과정으로 이해했다.

• 연필과 파스텔, 녹이 스민 철판, 연기, 식물, 오래된 책상과 의자 등 다양한 재료는 기억과 시간, 존재를 감각하게 하는 사유의 매개가 되며, 그의 작품은 물질을 통해 보이지 않는 세계를 경험하도록 이끈다.

4) 디지털 시대에 되새기는 침묵과 비움의 가치

• 이미지와 정보가 끊임없이 생산되고 인공지능 기술이 삶의 방식을 빠르게 변화시키는 오늘날, 우순옥의 작업은 빠른 소비와 즉각적인 해석을 넘어 침묵과 비움 속에서 사유하는 시간을 제안한다.

• 이번 전시는 예술이 인간의 삶과 어떻게 연결되고 확장되는지를 되묻는 동시에, 존재와 기억, 시간에 대한 근원적인 성찰을 통해 동시대를 살아가는 우리에게 깊은 울림을 전한다.

5) 일상의 오브제(everyday object)와 레디메이드(ready-made)의 차이

• 일상의 오브제(everyday object)와 레디메이드(ready-made)를 자신의 예술 세계에 도입한 우순옥과 마르셀 뒤샹은 모두 일상의 사물을 예술의 중요한 요소로 활용했다. 이는 예술이 사물의 고유한 속성에 의해 결정되는 것이 아니라, 그것을 선택하고 바라보는 방식과 맥락에 따라 새로운 의미를 획득할 수 있음을 보여준다. 그러나 두 작가가 사물을 대하는 철학은 근본적으로 다르다. 뒤샹이 레디메이드를 통해 예술 제도와 예술의 개념 자체를 근본적으로 질문했다면, 우순옥은 사물을 기억과 시간, 삶의 경험이 스며 있는 존재의 매개로 바라보며 인간의 삶과 존재를 성찰하고자 했다.

• 결론적으로 뒤샹이 '예술이란 무엇인가'를 질문했다면, 우순옥은 사물을 통해 '인간은 어떻게 살아가고 존재하는가'를 질문했다.

6) 후학 양성에 깊은 열정을 쏟으며 자신의 예술적 사유와 경험을 다음 세대에 전했다.

• 1995년부터 이화여자대학교 조형예술대학 서양화전공 교수로 재직하며 2022년 정년퇴임까지 후학을 양성하는 한편 활발한 작품 활동을 펼쳤다.

​우순옥(1958–2023)은 한국 현대미술에서 자신만의 개념미술 세계를 구축한 작가이다. 독일 뒤셀도르프 쿤스트아카데미에서 귄터 우커(1930–2025)에게 수학한 그는 1981년 〈생각은 그림자〉와 1982년 〈보이지 않는 기억〉 작업을 통해 보이는 것과 보이지 않는 것, 그리고 기억이 머무는 방식을 탐구하기 시작했다. 이후 《물질비물질》(1993), 《나비의 꿈》(1996), 《한옥 프로젝트》(2000), 《장소 속의 장소》(2002), 《아주 작은 집》(2006), 《무위예찬》(2016)에 이르기까지 사물과 공간, 시간의 흔적, 그리고 삶과 예술의 관계를 꾸준히 탐구하며 고유의 조형 언어를 확립해 나갔다. 

이번 전시는 그의 1980년대 초기 작업부터 작고 직전의 대표작에 이르기까지, 우순옥이 평생에 걸쳐 이루어 온 작품 세계와 한국 현대미술사에 남긴 예술사적 의미를 조망하고자 한다.

그러나 우순옥의 예술은 결코 관념에 머물지 않는다. 종이와 생마 캔버스 위에 남겨진 연필과 파스텔의 흔적, 벽의 온기, 수증기에 의해 녹이 스민 철판과 덧없이 사라져가는 연기, 텅 빈 공간 속 식물의 생명력, 오랜 시간을 품은 책상과 의자에 이르기까지 일상의 사물과 물질은 그의 사유를 구현하는 조형 언어가 된다. 우순옥에게 이러한 사물과 물질은 단순한 표현의 수단을 넘어 기억과 존재의 흔적이 머무는 감각의 자리였다. 그 안에는 삶과 예술이 맺어온 관계가 조용히 스며 있으며, 생성과 소멸이 반복되는 시간의 흐름 또한 담겨 있다. 관념과 물질, 사유와 감각이 교차하는 이 지점은 그의 예술 세계를 이해하는 핵심이라 할 수 있다.

이처럼 우순옥은 일상의 사물과 공간을 통해 삶을 다른 시선으로 바라보는 방식을 제안하였다. 그에게 예술은 완성된 결과물이 아니라 시간과 경험 속에서 끊임없이 생성되는 과정이었다. 이러한 예술관은 한국 현대미술에서 개념미술의 새로운 흐름을 형성하며, 예술과 삶의 관계를 다시 생각하게 한 중요한 성취로 남아 있다. 오늘날 그의 작업은 우리에게 일상 속 사물과 공간, 그리고 그 안에 축적된 시간과 기억을 새로운 감각으로 마주하게 하며, 예술이 우리의 삶 속에서 어떻게 살아 숨 쉬는지를 조용하지만 깊이 있게 일깨워 준다. (이수균, 성곡미술관 부관장)

2. <방>, 1998/1993, 면천 12장, 조명 2개, 20 x 10 x 2.6m

〈방〉은 천장에서 바닥까지 길게 늘어뜨린 열두 장의 검은 천 사이를 관람객이 자유롭게 드나들 수 있도록 구성한 설치 작업이다. 검은 천은 공간을 구획하는 동시에 시선을 차단하고 움직임을 유도하며, 익숙한 전시 공간을 검은 면천의 반복적 설치로 인해 낯선 감각의 공간으로 전환한다. 우순옥에게 ‘방’이 자신의 근원적 거처이자 비로소 ‘나 자신’이 될 수 있는 곳이듯, 관람객은 미술관에 설치된 거대한 천 사이를 거닐며 사적인 공간 안에서 자신을 돌아보고 잠시 머물 수 있다.

5. <따뜻한 벽>, 2003, 나무, 합판, 전기 패드, 알루미늄, 라이팅 페이퍼(조명용 종이), 페인트, 빛 500 x 300 x 800cm(서울 버전)

1996년 동경국립근대미술관과 오사카국립국제미술관, 그리고 2003년 서울 삼성미술관에 설치되었던 작품이다. <따뜻한 벽>은 둥글게 부풀어 오른 곡면의 벽 내부에 발열 장치를 설치해 은은한 온기(37.5°C)를 전한다. 관람객은 벽에 몸을 기대거나 손을 대며 어머니의 배나 품을 연상시키는 신체적 경험을 하게 되고, 이를 통해 몸의 기억과 타인과의 접촉, 생명의 근원에 대한 감각을 환기한다. 삶을 상징하는 '따뜻함'과 죽음·단절을 상징하는 '벽'을 결합한 이 작품은, 무덤을 바라보며 떠올린 작가의 사유를 바탕으로, 죽음을 새로운 생명의 순환으로 이해하는 시선을 제시한다

우순옥(U Sunok, 1958–2023)은 한국 현대미술을 대표하는 개념미술가이자 이화여자대학교 명예교수이다. 그는 이화여대 미술대학 및 대학원 회화과를 졸업한 후, 1985년 독일로 건너가 뒤셀도르프 쿤스트아카데미(Kunstakademie Düsseldorf)에서 수학하였다. 약 7년간 독일에 머물며 철학적 사유를 바탕으로 자신만의 조형 언어를 발전시켰으며, 이후 한국과 독일을 오가며 드로잉, 회화, 설치, 영상 등 다양한 매체를 통해 작업을 이어갔다.

흑백의 분투

작가약력

윤기언 Kiun Yoon 

ns929@naver.com

학력

2017  서울대학교 대학원 미술학과 동양화전공 박사 졸업

2002  서울대학교 대학원 동양화과 동양화전공 석사 졸업

1998  서울대학교 미술대학 동양화과 학사 졸업

주요 개인전

2026  흑백의 분투, OCI미술관, 서울

2021  우공이산(愚公移山), 예술공간 수애뇨339, 서울

2020  필연적으로, 갤러리담, 서울

2019  부득이하게, 충무아트센터 갤러리, 서울

2018  부득이하게, 스페이스 나인, 서울

          윤기언 개인전, 동덕아트갤러리, 서울

2016  사이비 비이사(似而非 非而似), 이랜드 스페이스, 서울

2014  미묘한 순간, 갤러리 그림손, 서울

2012  수작(手作), 호암교수회관, 서울

2010  진동(振動), 갤러리 그림손, 서울

          Gesture, 갤러리담, 서울

2007  숨은 그림 찾기, 갤러리 도스, 서울

          동그라미, 갤러리 가이아, 서울

2005  가지 않은 길, 갤러리 한, 서울

2003  불안, 동덕아트갤러리, 서울

주요 단체전

2024  시정화의(時情畫意), 월전을 그리다, 이천시립월전미술관, 이천

2023  산책II-빛, 한국교원대 교육박물관, 청주

2022  포스트 펜데믹-사유와 일탈, 한벽원미술관, 서울

2021  필묵지간(筆墨之間)-서화, 한글을 만나다, 주홍콩한국문화원, 홍콩

          묵향(墨香), 먹의 고향에서 피다, 전주누벨백미술관, 전주

2018  예술을 쓰다, 책을 그리다, 경북대학교미술관, 대구

         제2회 노보시비르스크 국제현대그래픽아트 트리엔날레, 노보시비르스크 국립미술관, 노보시비르스크, 러시아

          윤기언×Martin Eugen Raabenstein: Dividing & Accumulating_나누고쌓고, 예술공간 수애뇨339, 서울

전남국제수묵비엔날레: 오늘의 수묵 어제에 묻고 내일에 답하다, 노적봉예술공원 미술관, 목포

2017  삼랑성 문화축제 특별전 반조(返照), 강화도 전등사 대조루 특별전시관, 인천

2016  제13회 아시아, 아프리카 그리고 지중해 국제초대예술전, 청전문화원전시센터, 청전, 중국

2015  한국화회-침묵의 향연, 조선일보미술관, 서울

2013  여덟 개의 창, OCI미술관, 서울

         프레드로잉비엔날레: 드로잉, 생각의 시작, 블루메미술관, 파주

          윤기언×송윤주: 소동(素動), 갤러리 그림손, 서울

레지던시

2017  OCI미술관 R1211 레지던시, OCI미술관, 서울

2012-13  OCI미술관 레지던시, OCI미술관, 인천

2007-08  국립현대미술관 고양레지던시, 국립현대미술관, 고양

수상 / 선정

2018  서울문화재단 예술작품지원사업 선정, 서울문화재단, 서울

2015  이랜드 스페이스 6기 작가 선정, 이랜드문화재단, 서울

2010  SeMA 신진작가 전시지원 프로그램 선정, 서울시립미술관, 서울

작품 소장

국립현대미술관 미술은행, OCI미술관, 서울대학교 분당병원, 을지병원

피할 수 없는 것들을 향한 건조하고도 명백한 사랑

동굴 안에 있기로 해

장승근은 자기만의 동굴 안에 있다. 세계는 닫혀 있고, 회화는 동굴 안을 채운다. 텁텁한 색, 둔중한 선, 중첩된 붓질. 투박하게 덧대면서 쌓아 올려진 그림들. 그 자신과 그의 연장에 다름 아닌 어떤 관계와 도구들로 채워진 그림들. 지웠다가 다시 그리기를 지속하는 반복의 그림들. 전시는 이 답답하도록 아늑한 그림의 세계를 보여주는 데 충실하다.

만약 여기서 불안과 긴장 같은 것이 읽힌다면, 그것은 이 폐쇄의 논리가 자기도 모르게 의식하고 있는 ‘바깥’, 그 불/가능성이 환기되고 있기 때문일 테다. 한편, 이것이 역시 불안의 수준에 머무는 이유는 동굴 바깥이 도무지 보이지가 않기 때문이다. 그렇다면, 동굴의 세계는 벗어나야만 하는 것일까?

우리는 오랫동안 ‘동굴’의 은유에 부정적 감정을 품어 왔다. 플라톤의 저주 같은 것이라고 해두자. 어리석은 사람들이 동굴 밖 실제가 투사된 그림자를 실제인 것으로 착각한 채 그것만을 보고 살았다. 그러던 어느 날, 한 사람이 동굴 밖 빛에 이끌렸고, 드디어 밖으로 나가 세상을 보게 되었을 때, 그는 동굴로 다시 돌아왔다. 그리고 사람들에게, ‘그림자가 전부가 아니라고, 바깥을 보라고’ 웅변했다. 하지만, 사람들은 그를 외면했다. 바깥을 돌아보기는커녕, 다시 안으로 파고들었다. 동굴 내부엔, 그림자인 ‘이미지들’이 이미 각자의 세계를 구성하고 있었기에 바깥은 필요하지 않았다. 그들은 오로지 그것만을 논했다.

동굴 바깥의 존재를 알게 되었을 때에도 거기 남아서 그림자를 보기로 한다면, 동굴 속 사람들은 여전히 어리석다고 말할 수 있을까? 카자 실버만(Kaja Silverman)은 이미지에 대한 플라톤 식 저주를 풀어헤치며 말을 붙인다. 실버만은 사람들이 누구나 자신만의 감각으로 세계를 이해한다는 점을 지적한다. 감각하는 내가 있어 세계가 나타나고, 세계의 나타남은 나의 감각, 내가 보는 이미지에 의해 존재하며, 나는 세계의 존재에 반응하며 감각한다. 사람들은 자기가 본, 자기를 부르는 이미지들로 만들어진 세상에 산다. 왜 아니겠는가? ‘본다’는 것은 인간 보편의 일이다. 그리고 이 보기가 저마다의 폐쇄된 동굴에서 일어난다는 것은 각각의 ‘개별성(singularity)’을 말한다. 그리하여 동굴의 우화는 ‘보기의 복수성(plurality)’의 은유가 된다.

여기, 동굴 안에 있기로 한 작가가 있다. 장승근의 작업은 자기폐쇄적 세계를 설정하고 그 밖으로 (다시) 나가기를 주저하는 회화적 여정 중에 있다. 그는 특정한 모티프를 반복하고 또 이미지를 자기복제하는 한편, 회화 매체에 관한 반성과 탐구를 “재귀적”으로 수행한다. 먼저, 이번 전시에서 ‘그리기’는 약 2년 전과 비교할 때 큰 차이를 보인다. 일찍이 자기 주변의 기물과 사람들을 비교적 빠른 필치, 얇은 선, 평평한 붓질과 엷은 레이어로 그려오던 작가는, 이번 전시에서는 그와 반대되는 운동을 시도한다. 작가가 “느리고 둔중하다” 표현한 붓질은 겹겹이 쌓여 표면에 지층을 마련하고, 과거에 매끈하고 얇은 마무리가 보여주던 산뜻함 대신 텁텁한 인상을 강화한다. 이는 이어서 지적할, 반복되는 도상들과 그림 내적 구조를 물리적으로 받치며 동굴의 논리를 완결하게 될 것이다.

최근의 그림에 자주 등장하는 모티프는 작가의 작업실이다. 2024년, 춘천에서 서울로 터전을 옮기면서 장승근은 집과 작업실을 합쳐 쓸 수밖에 없는 상황에 처했다. 캔버스들이 물리적으로 공간을 채우며 두께를 더해 가고, 곧 그것이 생활 영역까지 침범해 가는 모습을 바라보며 작가는, 저것들이 ‘바깥’으로 나가지 못하고 쌓여간다는 사실에 적잖은 회한을 느꼈다. 동시에 작가는 작업실이자 집인 그 공간을 잘 벗어나지 않는 일상을 지속하고도 있었다. 그러나, 어느 시점 이후 작가는 ‘적재와 정체’로 특징 지어진 그 공간 안에서, 캔버스들로 만들어진 동굴이 새로운 이미지를 만드는 그 자체 조건임을 인정하게 된다.

〈피할 수 없는 것들을 향한 건조하고도 명백한 사랑〉, 〈서울〉, 〈나쁜 초여름〉(2025) 등에서 작가는 쌓여가는 캔버스들과, 캔버스 속 이미지, 그리고 작업실 내부와 외부가 함께 조망되고 포개지는 장면을 연출한다. 펼쳐진 이젤, 담배나 붓을 쥔 손, 팔레트와 붓, 널브러진 종이 등 작업실 내부가 한편에 있는가 하면, 같은 그림(혹은 인접한 그림)에 파란 하늘, 점점이 무리를 지어 날아가는 새 떼, 구름 조각, 옆 집 옥상, 옥상 위의 빨랫줄과 같은 야외 공간과, 다른 작품에서 영향 받아 그려진 도상 등이 포함되며 그림 속 시공간은 새로운 구성으로 재배치된다. 이미지와 이미지들이 서로 경계 없이, 외려 경계를 의도적으로 가로지르며 그림 내의 시공간을 확장하고, 결과적으로 닫힌 구조였던 ‘작업실’이라는 장소가 한계 없이 그 자체로 완결된다. 그림 위에 다른 종이나 캔버스가 물리적으로 붙은 경우도 비슷하게 이해해볼 수 있다(〈열린 계〉(2025), 〈그림 뒤에 있는 사람〉(2026)). 상이한 맥락을 상기시키기 위해 레디메이드가 도입되는 것이 아니다. 요소들은 모두 ‘이미지 세계’ 속에서 배열되며, 현실적 수준에서 안팎을 찾고 구분하는 일은 무용하다.

이번 전시에서는 작가가 그림에 자기 자신과 연인을 자주 등장시킨다는 점도 특징적이다. 이때, 인물은 다른 장르나 형식을 모색하는 이질성을 드러내는 장치가 아니다. 오히려 인물이 등장하는 그림들도 앞서 살핀 작업실 그림과 동일한 맥락을 형성하며, 이번 전시 전반을 가로지르는 폐쇄성을 확인시킬 뿐이다. 단적으로 말해서, 도상들은 모두 작가 자신을 가리키는 것처럼 보이기도 하는데, 이는 붓을 든 손(〈서울〉(2025))이나 잘린 발(〈말 없는 발〉(2025))처럼 축소될 때에도, 대개 웅크린 자세를 하고 정면을 응시하고 있는 여인상으로 변주될 때에도 마찬가지다. 말하자면, ‘확장된 자화상’이라 부를 형식이 전시에서 거듭 확인된다. 여기서 자화상은 내적으로 닫힌 구조와 시선을 취하는 그림, 결국 한 사람의 상상계로 귀속되는 그림을 가리킨다.

자화상으로서 회화의 형식은 ‘셀피(selfie)’ 류의 사진 이미지와 비교해보면 그 차이가 더욱 선명하다. 셀피는 역시 이미지 생산 주체인 ‘나’를 담는다는 공통점이 있지만, 그 시선이 타자화되어 있다는 점에서 자화상과는 반대로 작동한다. 자화상은 회화의 오랜 전통이 전제한 것과 같이, 외부의 시선을 당기거나 의식하기보다 내부의 논리로 존재한다. 그리는 이는 제3의 시선을 의식하고 렌즈를 굴절시켜 자신을 타자로서 드러내는 ‘셀피’와 달리, 스스로가 상정한 내면의 틀 안에서 자신을 들여다보고 또 직조한다. 즉, 자화상은 끊임없이 내부로 시선을 돌리는 이미지다. 장승근의 그림은 다양한 모티프를 경유해 결국 ‘자화상’의 형식으로 귀결된다고 말해볼 수도 있다.

가령, 〈피할 수 없는 것들을 향한 건조하고도 명백한 사랑〉, 〈맞담배〉(2025), 〈벼랑〉(2026)에 등장하는 인물을 보자. 부동의 자세, 보는 이를 잡아 끌지 않는 표정, 응시가 없는 불투명한 눈, 그림의 세계에 머무는 색 면의 덩어리…. 이 인물은 작가의 연인을 모티프로 한 형상이지만, 어떤 ‘타자’로서 등장하기보다는 작가의 시선으로 직조된 하나의 오브제로 나타날 따름이다. 한 가지 사례를 더 들어보자. 〈태도가 형식이 될 때〉(2026)에서 인물은 붓을 들고 누운 자세의 작가를 보여주는데, 이때 전면에 위치한 거울은 그 구도상 거울 뒤편에 사람이 누워 있기에 작가의 얼굴을 보여줄 수 없게 배치되어 있음에도 얼굴을 드러내 보인다. 이는 원근법에 근거한 그림 이해에서는 비합리적인 결론이지만, 그림 내부의 시선이 결국 그 자신에게로 돌아가는 ‘자화상’의 문법 안에서는 가능한 일이 된다. 이처럼 장승근의 그림은 도상과 구도를 아울러 모두 한 방향을 가리킨다. 이미지는 ‘나’의 동굴 안을 맴돈다.

위의 두 사례에는 분명한 모순이 자리한다. 우선, 전자에서는 일종의 윤리적 긴장—남성 화가의 여성 대상화 문제 등—이 발생하고, 후자에서는 그림 내부의 구조가 정합하지 않다는 점에서 혼란이 야기된다. 이 같은 모순은 플라톤이 보기에 정확하게 동굴의 우화와 결론을 공유하는 것이다. 개별 동굴의 주인은 각자의 억견(doxa)에 사로잡혀 절대 진실을 마주할 수 없다는 한계를 지닌다는 점이 바로 그것이다. 무엇을 ‘보아도’ 그림자는 각자가 자기 나름대로 구체화한 방식의 대상으로써 나타날 뿐이니 말이다. 더군다나, 다들 저마다의 동굴에서 그릇된 환영에 취해 있으니, 이들을 아우르는 ‘진실’은 결코 합치될 수 없다.

하지만 아렌트(Hannah Arendt)를 다시 읽는 실버만에게 이는 지극히 당연한 일로, 결코 화해되지 않는 ‘보기’들의 “영구적” 차이는 세계 이해가 차이를 통해서만 존재하고/나타난다는 점을 확인시킨다. 그리고 그 차이와 틈에서 우리는 각자의 욕망, 항상 충족되지 않는 욕망과 어떤 결여를 상기할 따름이다. (그렇다고 모순이 다 해결된다는 말은 아니다. 다만 그것이 놓일 자리가 달라진다고 쓰자.) 이로써 동굴 ‘밖’, 그곳으로 인도하던 ‘빛’의 은유는 눈앞의 이미지가 잃어버렸거나 잊고 있다 여겨지는 근원적 결여로 재조정된다. 플라톤 식의 ‘진리’ 내지는 추상적 관념은 고려의 대상이 아니다. 따라서 이 결여에 비관도 필요 없다. 그것이 자체로 동력이 되어 동굴 안 이미지들을 구성하고 있다고 말해볼 수도 있으니 말이다.

여기서 다시 처음에 던진 질문으로 돌아가 보자. 동굴의 세계는 벗어나야만 하는 것일까? 동굴 바깥의 존재를 알게 되었을 때에도 거기 남아서 그림자를 보기로 한다면, 동굴 속 사람들은 여전히 어리석은가? ‘아니오’라고 답하기가 여전히 저어된다면, 문제의 각도를 좀 비틀어 볼 수 있다. 빛을 정면으로 보지 않으려는 각자가, 저마다의 동굴을 지키고 있을 때, 동굴 속 이미지들에는 어떤 일이 생기고 있는지. 거기에 어떤 틈이 생겨나고 있지는 않은지, 몸을 돌려 저 빛의 세계, 바깥으로 저벅저벅 걸어 나가지는 않더라도, 이미지 안에서 결여와 상실의 흔적이 발견되지 않는지, 그렇게 타자에 닿거나 반대로 타자를 끌어들일 계기가 생겨날 수는 없는지 물어볼 수 있다.

한 가지 단서를 붙이자면, 장승근의 그림에서 그것은 ‘활자들’로 확인되는 것 같다. 대개 이 활자들은 아무 의미를 가지지 않은 텅 빈 기호다. 작가는 그림 속 작업실 바닥에, 그림 속 캔버스 위에 정직하게 글자를 새겨 놓곤 했다. 글자는 선명하게 읽히지만, 그러한 ‘읽기’가 그림 전반을 좌우하는 의미를 작동시키는 것은 아니다. 이때의 읽기는 시각적 차원의 끌어당김을 마련하는 순간에 불과하다. 〈꽃〉(2025)이 그 예가 될 수 있다. 그림엔 전체적으로 삼각 구도를 형성하는 구조체—이젤과 테이블 등—이 화면 중앙을 가득 채우고 있어, 전체 구도가 안정적인 가운데 상승하는 운동감을 유도하는데, 그 끝에 캔버스가 놓일 자리에 커다랗게 획을 그어 쓴 ‘꽃’이라는 활자가 등장한다. 이때, 한 개 음절로 이루어진 한 개 단어인 ‘꽃’은 여타의 의미 작용에 앞서, 다만 눈으로 ‘읽게’ 만드는 시각적 행위를 활성화한다. 그로 인해 활자는 그림 안쪽으로만 작동하던 힘을 바깥으로, 관객 쪽으로 잠깐 이동시킨다. 이미지가 된 활자는 다른 방향성을 잠시나마 환기하고, 다시 그림이 내적 논리로 황급히 돌아갈 때에도 그 가능성을 남겨놓게 되는 것이다.

그러나, 여전히, 동굴 안에 있기로 한다.

동굴은 이미지의 세계다. 환영인 동시에 저마다의 진실을 가지고 있는 이미지들은 그 폐쇄성을 본성 삼아 다른 만남을 예비한다. 장승근의 회화는 그 자체 ‘세계’로써 작동하고 있는 닫힌 장면들을 실험하면서, 그것이 틈을 마련하기를 기대하게 만든다. 지금은 머물기로 한 그가 어느 순간 다른 세계로 성큼 이동해 나갈지는 모르겠다. 우선, 여기 발들인 이상 우리도 잠시 머물러 보기로 하자.

 -허호정 (뮤지엄헤드 큐레이터)

작가약력

장승근 Seungkeun Jang

jangkamzza.com | godxp123@naver.com | @jangkamzza

학력

2026  서울과학기술대학교 대학원 조형예술학부 석사 수료
2020  중앙대학교 예술학부 서양화 전공 학사 졸업

주요 개인전

2026  피할 수 없는 것들을 향한 건조하고도 명백한 사랑, OCI미술관, 서울

2025  살에 붙는 그림, 에브리데이몬데이, 서울
2023  론도, 온수공간, 서울

주요 단체전

2026  디–스탠스, 라흰갤러리, 서울

하루가 사라진 봄, Art Gallery OWL, 후쿠오카, 일본

2025  페리지 윈터쇼, 페리지 갤러리, 서울
          나눠지고 펼쳐진, Unoccupied Gaps, 서울
          길어올려진 이미지, 미로센터, 광주
          그런대로 그럭저럭 즐거운 그림들, oaoa, 서울

2024  뒷고기, 갤러리인, 서울
          미술관에서의 혼돈과 정리, 소현문, 수원

2023  꽃밭에는 꽃들이: Flowers, THEO, 서울

2022  이세카이 오–오라, 유아트스페이스, 서울
          서울상경작전, 시민청갤러리, 서울

2020  의문문, 스페이스 캔, 서울
          SUB_展, 유아트스페이스, 서울

레지던시

2022–23  춘천 예술촌 레지던시 1, 2기

수상 / 선정

2025  2026 OCI YOUNG CREATIVES, OCI미술관, 서울
2022  BAMA AGE2030 어워드 그랑프리 수상, 부산

작품소장

서울시청 박물관과

꼴

운명의 '꼴'

조각이라는 예술 형식을 구성하는 다양한 조건 중 역시나 가장 큰 영향을 미치는 건, 아무래도 그것의 주요한 재료적 속성 및 그 가공의 방식일 터, 때문에 철과 같은 금속의 물질성을 전면화하는 윤정민의 조각은 있는 그대로 충분하게 제 존재감을, 역시나 전통적인 방식의 형태로 발산한다. 시공을 3차원적으로 가로지르거나 점유하는 그의 조각은 이른바 “공간적 소묘 (spatial drawing)”와 같은 특유의 형식 창안으로 나아간다. 

조형의 범주로부터 작가의 조각은 작금의 때에 스스로의 형식이 어떻게 자신의 본질을 지지해 낼 수 있을지를 고민해 왔다. 삶을 향한 윤정민의 성찰은 ‘가족’의 개념을 중시하는 서사적 경로 외에, 그렇듯 물적 형식의 맥락과도 강하게 연결되어 있다. 특히나 조각 제작의 일반적 방식이라 할 ‘주조(鑄造)’의 기법이 아닌, 직접 철을 재단하고 두드려 성형하는 ‘단조(鍛造)’의 기법을 택한 것은 작가의 수공적 흔적을 더 선명히 외화(外化)하기도 한다. 윤정민의 조각을 이루는 해당의 조건들은 메타(meta)의 층위에서 동시대 조각의 본위와 연관한 사유를 현재화하고, 다시금 이를 고유한 정체성 모색의 과정과 동기화한다. 이를 통해 그는 미적 수행의 의미를 예술 형식에 관한 재귀적 인식의 지점으로 회귀토록 하며, 더불어 자기 존재의 정체성을 둘러싼 내면적 의식과도 결부한다. 윤정민의 작업이 형식적으로 전통적 철조 조각의 물질적·기술적 조건을 명료하게 차용하고 있음에도, 한편 그의 조각을 당대적이라 칭할 수 있는 근거는 바로 그와 같은 조건들을 내면의 장에서 다시금 고유하게 갱신해 내는 조형적 태도에 기인한다.

이와 같은 문맥에서 윤정민이 상정하는 소위 ‘한국성’의 개념은 문화 그리고 그것에서 파생한 생활 양식 전반을 포괄하는 것으로 이해할 수 있는데, 이는 단일하고 고정된 민족적 표상을 초월하는 무엇으로 구축된다. 때문에 그가 호출하는 민속적 감각이란 확실하고 분명한 정의의 대상으로 고정될 수는 없다. 작가가 주목하는 그러한 ‘지역적 속성(locality)’은 일상 경험의 관계적 삶 와중에서 생동하는 이미지적 층위에서 발현한다. 그리하여 윤정민의 관심은 삶의 지극한 사적 범주의 표상으로서 그렇게 가족에 이르고, 다시 가족이라는 관계망을 중심으로 스스로를 구성하는 존재의 조건을 모색하는 가운데서 명리학(命理學) 기반의 ‘사주팔자(四柱八字)’에 도달한 것은 퍽 자연스럽다 하겠다. 네 기둥을 뜻하는 사주(四柱)와 여덟 글자를 의미하는 팔자(八字)의 중첩으로 사람의 운(運)과 명(命)을 가늠하고 미래를 점치는 해당의 세계관에서 우리의 사주팔자는 출생한 연·월·일· 시에 의해 결정되며, 개인의 타고난 선천적 기질로부터 전개되는 인생의 후천적인 흐름은 끊임없이 변화하는 유동적인 ‘음양오행(陰陽五行)’의 이치에 기인해 운행된다. 물론 이러한 증명 불가의 전래된 지식 체계에 기반하는 사유가 개별의 삶을 어디까지 설명할 수 있는가의 여부는 여전히 각자의 판단에 맡겨질 수밖에 없겠으나, 적어도 윤정민에게 사주팔자는 작가로서 자신의 미적 실천을 추동하는 내적 필연의 주요한 당위이자, 그와 같은 조형의 예술 단위를 자기 삶과 정체성의 차원으로 확장토록 하는 상징 매개의 축으로 작동하는 것으로 뵌다.

이상의 원리를 총체적으로 담아내는 근간의 작업은 〈나무와 뿌리〉(2026)로, 본 작품은 윤정민 조형의 중심을 이루는 철과 한국적이고도 동양적인 지역성을 상징하는 한지, 그리고 이질한 재료적 속성으로 이들을 구별하거나 이어내는 인청동을 결합해 축조되었다. 이러한 구성은 자신의 삶과 가족을 둘러싼 운명적 생장과 기원의 서사를 물성적 구조로아우르는 일종의 ‘신목(神木)’을 형상화한다. 한편 목(木), 화(火), 토(土), 금(金), 수(水)의 다섯 가지 기운을 통해 우주 만물의 변화를 해석하는 사상인 오행(五行)은 작가 개인의 사주팔자와 연관한 불과 물의 기운을 현현하는 〈불〉(2026) 연작과 〈물〉(2026) 연작으로 구체화된다. 전자의 경우 각기 마을 어귀에 세워 액운을 막고 풍요를 기원한 토속적 신앙 조형물인 장승과 솟대의 형식을 참조하며, 후자의 경우는 아이의 신체와 그 움직임의 동세를 경유한다. 이들과 어우러져 시공을 메우는 〈상(相)〉(2026) 연작은 정형화되지 않은 다양한 층위의 잡귀와 정령을 애니미즘(animism)적 존재로 가시화한 것으로, 해당 작품의 군상들은 자연과 문화의 경계를 초월해 사물에 깃들었다는 영혼을 향한 원시의 믿음을 드러낸다.

윤정민의 전시 《꼴》(OCI미술관, 2026)은 이처럼 예술 매체의 조형적 수행과 일생의 관계를 바탕하는 정체성의 형성을 전통적 운명론의 관점에서 새롭게 숙고하고, 그로부터 밝고 희망찬 긍정의 미래를 실현키 위한 시도의 표명이라 할 수 있을 거다. 그리하여 윤정민이 조명하는 ‘꼴’은 표면적인 외양이나 피상적인 명운의 체념적 순응의 상태에 그친다기보다, 이는 생을 향한 적극적인 의지가 수공적 예술 행위를 통해 다시금 감각의 차원에서 현시된 결과라 해야 하겠다. 이렇듯 작가의 조각은 운명에의 무기력한 순응을 넘어, 예술 실천으로 그것의 꼴을 개척할 수 있다는 믿음의 미적 형식을 지금, 여기, 바로 우리에게 상기한다.

-장진택(독립 큐레이터)

작가약력

윤정민 Jeongmin Yoon 

yoon4951.wixsite.com | yoon4951@naver.com | @jm_yoon91

학력

2022  서울시립대학교 대학원 환경조각학과 석사 졸업

2016  경희대학교 미술대학 조소전공 학사 졸업

주요 개인전

2026  꼴, OCI미술관, 서울

2025  우리, 에이라운지, 서울

2023  부리로 마시는 물, 아터테인, 서울

2021  아무, 사람, 새탕라움, 제주

2020  ^^., 고양아람누리 갤러리누리, 고양

주요 단체전

2026  Balance in Motion, P21, 서울

2025  친밀한 대화, 문화살롱5120, 서울

          엮어. 보아, 고양시립아람미술관, 고양

2024  신선한 조각을 호흡하시오, 한가람미술관, 서울

          공원, 쉼, 사람들, 소마미술관, 서울

          신인물탐구, 기당미술관, 제주

          호곡장, 사비나미술관, 서울

           fe, yi, 아트스페이스3, 서울

2023  토탈 서포트, 토탈미술관, 서울

          일어나지 않은 이야기, 갤러리인HQ, 서울

          점 안의 우주, 양주시립장욱진미술관, 양주

2022  WESS 전시후도록 2022, WESS, 서울

          셋이 모여 하나, 옥상팩토리, 서울

          뉴드로잉 프로젝트, 양주시립장욱진미술관, 양주

2021  플랫 폼, 공간형, 서울

          산양연회, 예술곶 산양, 제주

2020  A raw position, 서리풀청년아트갤러리, 서울

          반짝이는 소란, 오픈스페이스 배, 부산

수상 / 선정

2025  2026 OCI YOUNG CREATIVES, OCI미술관

2022  뉴드로잉 프로젝트 대상, 양주시립장욱진미술관

2021  창작지원금 작가 선정, 송정미술문화재단

2020  문화예술진흥 공모 지원사업 선정, 고양문화재단

레지던시

2021  예술곶 산양 레지던시, 제주문화예술재단, 제주

소장

양주시립장욱진미술관, 아라리오

   특히 이번 전시에서는 겸재정선미술관 소장 정선의 〈청하성읍〉을 바탕으로 제작한 신작 〈창문〉을 최초 공개하며, 겸재 정선의 진경 정신이 오늘날 동시대 회화 속에서 어떻게 이어지고 확장되는지를 보여준다.

□ 현대 한국화를 대표하는 작가 유근택

   유근택은 전통 수묵을 오늘의 감각으로 재해석하며 현대 한국화단을 대표하는 작가이다. 그는 대학 시절부터 일상의 풍경과 사물, 자연과 인간의 관계를 자신만의 회화 언어로 탐구하며 한국화의 새로운 가능성을 제시해 왔다. 그의 작품은 현실과 기억, 안과 밖, 시간과 공간이 하나의 화면 안에서 유기적으로 연결되며, 익숙한 일상을 새로운 시선으로 바라보게 한다. 평면 회화를 넘어 영상 등 다양한 매체로 작업 영역을 확장한 그는 전통 한국화의 정신을 계승하면서도 동시대 미술의 언어로 발전시킨 대표적인 작가로 평가받고 있다.

□ ‘숨’으로 읽는 유근택의 작업 세계

   이번 전시는 유근택 작업을 관통하는 주제인 ‘숨’에 주목한다. 유근택에게 숨은 호흡에서 나아가 서로 다른 개념을 연결하고 관계를 맺게 하는 삶의 방식이다. 그의 작품에는 안과 밖, 자연과 인위, 생성과 소멸이 하나의 풍경 안에서 공존하며, 들숨과 날숨처럼 끊임없이 관계를 맺는다. 전시는 ‘숨’의 흐름을 따라 초기작부터 신작에 이르기까지 30여 년 동안 이어온 작가의 사유와 작품 세계를 조명한다.

□ 세 개의 전시 공간으로 읽는 유근택의 회화

   전시는 ‘연기’, ‘안과 밖’, ‘Two conversation’의 세 공간으로 구성된다.

첫 번째 공간, ‘연기’에서는 《할머니》 연작을 시작으로 모필소묘, 《불》 연작, 〈분수〉를 통해 생성과 소멸, 물질과 비물질 사이를 연결하는 ‘숨’의 움직임을 살펴본다. 이번 전시에서는 초기작 《할머니》 연작(1995) 31점이 전시되어 할머니의 방을 이룬다. 또한 이번 전시에서는 〈분수〉를 영상으로 확장한 작품을 공개한다. 올라갔다가 떨어지는 물방울의 움직임을 통해 순환하는 모습을 표현했다. 정지된 화면 속, 한순간을 포착했던 유근택의 회화가 시간성을 획득하는 새로운 시도로 작가의 작품 세계를 입체적으로 경험할 수 있다.

두 번째 공간, ‘안과 밖’에서는 〈어쩔 수 없는 난제들〉, 《이사》, 〈자라는 실내〉와 함께 《두 대화, 혹은 안과 밖》 연작, 〈수영장〉, 〈항해-기적을 향하여〉 등 이번 전시를 위해 새롭게 선보이는 신작을 만나볼 수 있다. 작가는 일상에서 개인과 사회, 기억과 현재, 현실과 상상이 만나는 경계에 관심을 두고 익숙한 일상을 새로운 시선으로 바라보게 한다.

마지막 공간 ‘Two conversation’에서는 겸재정선미술관 소장 정선의 〈청하성읍〉과 이를 바탕으로 제작한 유근택의 신작 〈창문〉을 함께 선보인다. 시대를 달리하는 두 작가가 풍경을 바라보는 시선과 경험을 통해 어떤 대화를 이어가는지를 보여주는 것이 이번 전시의 핵심이다.

⟪본연⟫은 한국 현대 사진을 대표하는 구본창과 산업 재료를 조형 언어로 전환해온 연진영이 만나, 시간 속에서 변화하고 사라지는 것들의 흔적과 존재의 본질을 함께 바라보는 전시이다. 제목 ‘본연’은 구본창의 ‘본’과 연진영의 ‘연’을 나란히 세운 이름인 동시에, 존재의 근원을 의미하는 철학적 개념을 담고 있다. 사진과 조각이라는 서로 다른 매체는 각기 다른 방식으로 표면과 물성, 시간의 층위를 탐구하며 소멸과 생성이 교차하는 지점을 응시한다.

구본창은 사물과 공간에 축적된 시간의 흔적을 섬세한 사진 언어로 포착하고, 연진영은 산업 재료와 소비재를 해체하고 재구성하며 기능을 넘어선 새로운 감각을 구축한다. 서로 다른 세대와 작업 방식을 지닌 두 작가는 패션이 그러하듯 끊임없이 변화하고 소멸하는 표면 속에서 오히려 존재의 본질에 다가가는 방식을 탐구한다. ⟪본연⟫은 두 작가의 대화를 통해 사라지는 것들 속에 남겨진 감각과 시간성을 조명하며, 동시대 미술이 제안하는 새로운 배니타스의 가능성을 펼쳐 보인다.

[작가 소개]

구본창

구본창은 1953년 서울에서 태어난 대한민국을 대표하는 사진작가이다. 연세대학교 경영학과를 졸업한 뒤 독일 함부르크 Fachhochschule Hamburg에서 사진디자인을 전공했으며, 1985년 귀국 후 작가이자 전시 기획자로 활동하며 한국 현대사진의 지평을 넓히는 데 중요한 역할을 해왔다. 간결하고 미니멀한 사진 언어를 통해 한국 사진계에 독자적인 위치를 확립했으며, 이러한 공로를 인정받아 2025년 사진작가 최초로 삼성 호암상을 수상하였다.

그의 작품은 샌프란시스코 현대미술관(SFMOMA), 휴스턴 미술관(MFAH), 서울시립미술관, 삼성 리움 미술관 등 세계 주요 기관에 소장되어 있다. 또한 『숨』, 『탈』, 『백자』, 『Vessel』, 『Everyday Treasures』 등의 작품집을 출간했으며, 삼성 로댕갤러리(2001), 미국 피바디 에섹스 뮤지엄(2002), 필라델피아 미술관(2010), 서울시립미술관(2023), 국립아시아문화전당(2024) 등 국내외 주요 기관에서 개인전을 개최하며 한국 사진예술의 위상을 세계에 알리고 있다.

연진영

연진영(b.1993)은 패딩, 에어백, 덕트, 키링 등 산업·소비재를 해체하고 재조합해 조각과 설치 형태의 작업으로 확장하는 작가이다. 한때 인간의 몸을 감싸고 취향과 욕망을 드러내던 사물들은 작가의 개입을 통해 본래의 기능을 벗어나 새로운 의미와 감각을 획득한다.

그는 대량 생산과 소비 과정에서 만들어지고 사라지는 사물의 흔적과 변형 가능성에 주목하며, 동시대의 취향과 욕망이 남긴 흔적을 조형 언어로 탐구한다. 기능을 위해 생산된 재료를 새로운 형태와 감각으로 전환하는 작업을 통해 사물의 표면에 축적된 시간과 인간의 흔적을 드러낸다. 리움미술관, 국립현대미술관, 일민미술관 등에서 작품을 선보였으며, Nike, Christian Dior, RE:CODE 등과 협업을 진행했다.

[전시 기간]

2026. 8. 28.(금) - 2026. 10.2.(금)

[전시 장소]

PS CENTER, 서울 중구 창경궁로5다길 18, 3층 

[운영 시간]

11:00 - 18:00 *일요일, 월요일, 추석 당일 휴무

[오프닝 리셉션]

2026. 8. 28(금) 17:00

관람료 : 무료

주관, 주최 : CENTER Corp.

문의 : 02-6956-3501

E-mail : contact@centercorp.kr

Web : https://ps-center.kr

SNS : https://www.instagram.com/p.s.center

서울 인사동 제주갤러리에서 오는 8월 12일 수요일부터 8월 30일 일요일까지 최은영의 개인전 《나는 무엇을 하다 죽을까》가 열립니다.

이번 전시는 2026 제주갤러리 공모 선정 전시로 최은영 작가의 새로운 신작들로 2년 만에 선보이는 개인전으로, 

제주의 자연 속에서 깊어진 삶과 죽음에 대한 사유를 한지와 먹, 분채를 통해 담아낸 깨달음의 기록입니다.

《나는 무엇을 하다 죽을까》는 작가가 가까운 이들의 갑작스러운 죽음을 경험하며 스스로에게 던진 질문에서 시작되었습니다. 

"나는 무엇을 하다 죽고 싶은가, 무엇을 하며 어떻게 살아가고 싶은가." 

죽음을 삶의 끝으로만 받아들이던 것이 제주에서 자연의 생성과 소멸을 가까이 마주하며 변화했다고 합니다. 

피고 지는 식물과 다시 대지로 돌아가는 씨앗들을 통해 작가는 죽음이 끝이 아닌 순환의 일부임을 깨달았고, 

이러한 변화는 이번 전시 전반을 관통하는 핵심 주제가 되었습니다.

더위를 피해 한해의 여유를 가지는 시기인 요즘 "나는 무엇을 하다 죽을까"라는 질문과 

지금 오늘을 어떻게 살아갈 것인가를 물으며 삶의 의지를 단단히 해 보는 좋은 시간일 것입니다.

최은영 개인전 《나는 무엇을 하다 죽을까》에 많은 관심과 방문 부탁드립니다.

감사합니다.

제주갤러리 드림

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2026 제주갤러리 공모 선정 - 최은영 개인전 《나는 무엇을 하다 죽을까》

작     가: 최은영

전시기간: 2026. 8. 12. (수) ~ 2026. 8. 30. (일), (매주 화요일 휴관)

관람시간: 10:00~19:00 (입장마감: 18:30)

전시장소: 서울시 종로구 인사동 41-1 인사아트센터 B1, 제주갤러리

※작가 도슨트: 8월 12일 수요일 오후 4시, 제주갤러리

지난해에 이어 올해 두 번째로 선보이는 <인연, 두 번째>展은 세종뮤지엄갤러리가 전시를 통해 맺어온 소중한 인연을 되새기고, 예술을 매개로 이어진 관계와 교류의 가치를 함께 나누고자 마련하였습니다.

회화, 조각, 공예 등 다양한 장르에서 활동하는 작가 50인의 대표작 50여 점이 한자리에 모였습니다. 서로 다른 세대와 분야를 아우르는 작품들을 통해 예술이 만들어낸 만남과 교류, 그리고 공감의 가치를 함께 느껴보시기 바랍니다.

-아  래-

1. 전시명 : 세종뮤지엄갤러리 특별기획전 <인연因緣, 두 번째>

2. 전시장 위치 : 세종뮤지엄갤러리 1, 2관

3. 전시일자 : 2026. 8. 5 (수) ~ 8. 16 (일)

4. 관람시간 : 10:00~17:00 (16시30분까지 입장가능)

5. 전시문의 : 02-3408-4162/4 

Everyday, Again

우리는 매일 같은 얼굴들을 마주한다. 어린 시절부터 익숙했던 만화 속 캐릭터, 수없이 복제되어 온 명화의 이미지, 그리고 손바닥만 한 크기로 우리의 일상에 스며든 아트토이. 너무 자주 보아 어느새 특별함을 잃은 이 형상들은, 익숙함이라는 이름 아래 우리 곁에 머물러 있다.

김병관은 그 익숙한 이미지 앞에서 다시 붓을 든다. 이미 완성된 캐릭터와 명화를 그대로 재현하는 대신, 거친 붓질과 흘러내리는 물감, 우연히 만들어지는 흔적들을 화면 위에 겹쳐 놓는다. 형상은 흐려지고 무너지는 듯하지만, 그 틈 사이로 우리는 다시 익숙한 얼굴을 발견한다. 작가에게 중요한 것은 완성된 결과가 아니라, 이미지를 끝없이 의심하고 다시 그려 나가는 과정이다. 회화는 하나의 정답이 아니라, 매일 새롭게 이어지는 질문이 된다.

임지빈은 같은 '반복'을 전혀 다른 방식으로 이어간다. 흙을 빚고, 형을 뜨고, 표면을 다듬는 손의 움직임은 18년 동안 하루도 멈추지 않았다. 겉으로는 같은 형상을 만들어내는 작업처럼 보이지만, 그 안에는 매일 다른 시간과 몸의 감각이 축적된다. 기술이 인간의 노동을 빠르게 대체해 가는 시대 속에서도 작가는 손으로 직접 만지고 다듬는 행위를 멈추지 않는다. 반복은 단순한 생산이 아니라, 하루하루를 살아낸 시간의 흔적이며 삶을 이루는 가장 작은 단위가 된다.

한 사람은 익숙한 이미지를 다시 그리며 새로운 의미를 발견하고, 다른 한 사람은 반복되는 손의 노동을 통해 같은 형상 안에 다른 시간을 쌓아 올린다. 표현 방식은 다르지만 두 작가 모두 완성된 이미지를 그대로 받아들이지 않는다. 익숙함은 다시 질문되고, 반복은 새로운 의미를 만들어낸다.

『매일, 다시』는 반복을 통해 삶을 바라보는 두 작가의 시선이 만나는 자리이다. 회화의 표면 위를 흐르는 붓질과 조각의 표면에 켜켜이 쌓인 손의 시간은 서로 다른 언어처럼 보이지만, 결국 같은 이야기를 들려준다. 우리는 매일 같은 하루를 살아가지만, 그 하루는 결코 이전의 하루와 같지 않다.

이번 전시가 익숙한 것을 다시 바라보는 경험, 그리고 반복되는 일상 속에 스며 있는 시간과 의미를 새롭게 발견하는 계기가 되기를 바란다.

아트코드갤러리

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숨-이어지다/ 보이지 않는 시간은 흔들리는 잎 사이를 천천히 지나간다, 180x80cm, 장지에 채색, 2026, 강유림 KANG Yoo Lim

숨-이어지다/ 매일 쌓아 올린 시간은 숲이 되어 다시 나를 바라본다, 180x80cm, 장지에 채색, 2026 강유림 KANG Yoo Lim

숨-이어지다/ 머무는 것은 형상이 아니라 시간이 남긴 결이다, 180x40cm, 장지에 채색, 2026, 강유림 KANG, Yoo Lim

 
강유림 작가노트  
 
오랫동안 나는 사람의 얼굴을 그려왔다. 얼굴은 한 인간이 살아온 시간의 흔적이며, 말보다 먼저 존재를 드러내는 풍경이었다. 타인의 얼굴을 바라보는 일은 결국 나 자신을 응시하는 일이었고, 그 시선은 자연스럽게 존재에 대한 질문으로 이어졌다.
 
숲을 걷고, 바람을 듣고, 대나무가 흔들리는 소리를 바라보며 깨달았다. 자연 또한 인간처럼 시간을 품고 살아간다는 것을. 최근의 작업에서 그 질문은 자연으로 옮겨갔다. 숲은 더 이상 바라보는 대상이 아니라 시간과 존재가 머무는 하나의 공간이 되었다.
 
나의 작업은 그 시간을 화면 위에 쌓아가는 과정이다.
 
초기의 작업에서는 한지 위에 먹을 스며들게 하며 시간의 층을 만들어 갔다. 먹은 번지고 마르기를 반복하며 깊이를 만들었고, 한지의 결은 시간을 품는 그릇이 되었다. 반복되는 붓질은 단순한 표현이 아니라 지나온 시간을 화면에 새기는 행위였다.
 
최근의 작업에서는 석채를 사용해 화면의 마띠에르를 만들고, 그 위에 다시 색을 올리고 덜어내는 과정을 반복한다. 켜켜이 쌓인 색은 단순한 색채의 축적이 아니라 시간이 지나간 흔적이며, 물질과 색, 질감이 만나 이루는 화면은 또 다른 시간의 층위를 품는다. 그렇게 화면은 하나의 풍경이 아니라 시간이 응축된 공간으로 존재하게 된다.
 
대나무는 끊임없이 자라지만 제자리를 떠나지 않는다. 수많은 줄기들이 서로를 기대며 숲을 이루고, 빛과 바람은 그 사이를 스쳐 지나간다. 화면 속 반복되는 수직의 리듬은 형태를 재현하기 위한 것이 아니라 시간의 축적과 존재의 호흡을 드러내기 위한 언어이다.
 
매일 반복되는 작업은 나에게 수행과도 같다. 붓을 들고 화면을 마주하는 시간 속에서 나는 자연의 시간을 닮아가고, 그 시간의 층 위에서 비로소 작은 위로를 얻는다. 형태를 덜어낼수록 화면에는 오히려 더 많은 시간이 남고, 보이는 형상보다 보이지 않는 기운이 더욱 선명해진다.
 
대나무는 시간의 형상이고, 먹은 시간의 층이며, 마띠에르 위에 켜켜이 쌓인 색은 시간의 흔적이다. 화면을 스쳐 지나가는 작은 흔적들은 시간을 스치는 숨결처럼 머물다 사라진다.
 
나는 자연을 그리는 것이 아니라, 시간이 존재를 이루는 방식을 그리고자 한다. 시간은 보이지 않지만 모든 존재를 이루는 가장 깊은 구조이며, 나의 작업은 그 보이지 않는 시간을 화면 위에 천천히 쌓아 올리는 과정이다.
 
그림 앞에 선 누군가가 잠시 자신의 시간을 들여다보고, 그 안에서 조용히 존재를 마주할 수 있다면, 그 순간 이 작업은 비로소 완성된다.
 
“나는 자연을 그리는 것이 아니라, 시간이 존재를 이루는 방식을 그리고자 한다.”

박동조 작가의 개인전 《연두빛 맥박, 대지를 깨우다》는 어둡고 깊은 땅속에서 솟구쳐 오르는 생명의 거대한 파동을 화면 위에 끌어올립니다. 화면을 겹겹이 메우는 두터운 마티에르와 무수한 점들은 잿더미를 뚫고 마침내 틔워낸 연둣빛 순이자, 대지가 품어온 미세한 숨소리와 고동치는 맥박을 상징합니다. 수없이 쌓이고 교차하는 초록의 입자들은 숲과 대지가 스스로를 치유해 가는 유기적인 리듬을 은유하며, 상처 입은 터전 위로 다정하게 스며드는 생명의 빛을 조용히 드러냅니다. 작가는 대지의 상흔을 고스란히 끌어안은 채, 그 비옥한 토양 위에서 다시 시작되는 자연의 경이로운 회복력에 주목합니다. 연두빛 스펙트럼은 지나간 비극의 흔적을 지우는 것이 아니라 품어 안고 일어서는 대지의 의지이자, 멈춰 있던 시간 속에서 감각을 깨우는 아늑한 호흡입니다.

전시명: 박동조 초대 개인전 <연주빛 맥박, 대지를 깨우다>

전시일정:　8월 5일(수) ~ 8월 29일(토)

오프닝 리셉션 & 아티스트 토크: 8월 5일(수) 오후 5시

주최/주관: 안계미술관

후원: 한국문화예술위원회, 시각예술 창작주체(창작공간), 의성군

*이 전시는 한국문화예술위원회(아르코)의 ‘2026년 시각예술창작주체(창작공간)’의 지원을 받았습니다. 

우리는 끊임없이 이유를 요구하는 시대를 살아간다. 명분과 정당성의 무수한 요청 속에서 자신의 정체성을 입증하며, 무한한 압박을 견디고 있다. 이번 전시 <No Reason>은 거창한 논리나 서사에 앞서는 순수한 에너지, 불확실한 현실을 유연하게 돌파하는 긍정의 일격을 제시한다.

김인 작가의 작품에는 획일성의 지표가 가득하다. 똑같은 표정의 아톰과 꽉 쥔 주먹의 나열. 규격화된 각도로 정렬된 패턴들은 동질화된 우리의 초상이자, 규율화된 사회 시스템이다. 마치 디지털 이미지처럼 완벽하게 정제된 매끄러운 화면에는 플라스틱의 차가운 질감과 반짝이는 반사광이 질서를 이루고, 현실을 둘러싼 냉정한 억압을 완결된 고요로 드러낸다.

그러나 작가는 단단한 질서에 무력하게 순응하지 않는다. 매끈한 조형 위 일탈을 일으킨다. 상처를 숨기는 피부색 밴드가 아닌 선명한 원색의 스마일 밴드를 얹고, 거친 파도에 휩쓸린 얼굴들은 환하다. 로켓 주먹은 난데없이 평온한 화면을 가로지르며 날아간다. 상처를 긍정으로 가꿔내는 쨍한 미소는 현실의 고단을 가볍게 환기하고, 화면을 관통하는 주먹의 궤적은 답답한 현실을 시원하게 털어낸다.

이러한 일탈은 단순한 시각적 유머가 아니다. 강박적 목적성에 균열을 내는 미학적 장치다. 화면 위에 크게 던져진 'ENJOY YOURSELF'라는 문구처럼, 목적과 명분에 매여 스스로를 억압하던 시선을 불쑥 돌려세워, 거창한 이유 없이도 자신의 존재와 상황을 즐겨도 좋다는 사실을 상기시킨다. 

이유 없음(No Reason)은 결코 자포자기나 허무주의, 또는 근거 없는 낙관을 의미하지 않는다. 의미를 강요받기 이전의 자유로운 순간을 온전히 살아내겠다는 존재론적 선언이다. <No Reason>은 우리에게 묻는다. 모든 것을 증명할 수 있어야만 앞으로 나아갈 수 있는가. 타인의 평가나 사회적 효용으로 스스로를 증명할 필요는 없다. 복잡한 계산과 당위의 짐을 내려놓고 작품 앞에 서는 순간, 이유를 모두 갖추지 못한 채 내딛는 한 걸음이 선사하는 낯선 자유와 주체적인 삶의 감각을 마주할 수 있을 것이다.

A Positive Strike Against an Uncertain Reality

We live in an age that relentlessly demands reasons. Amid endless demands for justification and legitimacy, we are compelled to prove who we are while enduring immense pressure. The exhibition No Reason presents a pure energy that precedes grand narratives or rational explanations—a positive strike that moves fluidly through an uncertain reality.

Kim In's work is permeated by markers of uniformity. Repeated Astro Boy figures with identical expressions and rows of tightly clenched fists recur throughout the work. These meticulously aligned patterns become portraits of our homogenized selves and reflections of a disciplined social system. On impeccably refined surfaces reminiscent of digital imagery, the cold texture of plastic and gleaming reflections establish a precise visual order, revealing the oppressive structures of reality through an immaculate stillness.

Yet the artist does not passively submit to this rigid order. Instead, he introduces moments of disruption into its polished forms. Rather than flesh-toned bandages intended to conceal wounds, vividly colored bandages bearing smiling faces appear across the surface, while faces engulfed by turbulent waves remain radiant. Rocket fists unexpectedly streak across otherwise tranquil compositions. These bright smiles, transforming wounds into positivity, lightly relieve the weariness of reality, while the trajectories of the flying fists sweep away the suffocating weight of everyday life.

These disruptions are not merely gestures of visual humor; they are aesthetic devices that fracture an obsessive sense of purpose. As the boldly declared phrase "ENJOY YOURSELF" suggests, the works abruptly redirect a gaze long conditioned by purpose and justification, reminding us that we are free to enjoy our existence and our circumstances without needing a grand reason.

No Reason does not signify self-abandonment, nihilism, or unfounded optimism. Rather, it is an existential declaration to fully inhabit the freedom that exists before meaning is imposed upon us. The exhibition poses a question: Must everything be proven before we can move forward? There is no need to justify ourselves through the judgments of others or our social utility. The moment we stand before these works and set aside the burdens of calculation and obligation, we encounter an unfamiliar sense of freedom and agency that emerges from taking a single step forward without having every reason in place.

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No Reason

참여 작가 ｜ 김인

전시 기간 ｜ 2026. 8. 12 - 2026. 10. 2

전시 장소 ｜ 경기 성남시 분당구 운중로 146번길 13 헤드비갤러리

운영 시간 ｜ 화-목요일 10:30-19:00 / 금-토요일 11:30-20:00 / 일요일 예약제 / 월요일 휴관

HEDWIG GALLERY

Tel ｜031-629-9998

Mail｜info@hedwiggallery.com

청주 갤러리원 A관 최철기 도예 개인전

갤러리 원 청주점에서 최철기 도예 개인전이 전시 진행됩니다.

08월 12일부터 08월 17일까지 연중무휴 전시 진행되오니,

많은 관심과 사랑 부탁 드립니다.

[최철기 작가노트]

이번 전시는 '선(線)'을 주제로 한 네 번째 작업이다.

모든 공예와 디자인은 점, 선, 면에서 시작된다. 수많은 형태와 조형도 결국 하나의 선에서 비롯된다. 나는 오랫동안 흙을 다루며 가장 기본적인 요소인 선이야말로 가장 깊은 아름다움을 담고 있다고 믿게 되었다.

 오늘날 예술은 때로 너무 복잡해졌다. 난해한 개념과 어려운 언어, 복잡한 형태와 다양한 재료들이 작품의 가치를 대신하는 것처럼 보이기도 한다. 물론 그러한 표현도 예술의 한 방식이지만, 예술이 반드시 어려워야만 하는 것은 아니라고 생각한다.

 나는 누구나 바라볼 수 있고, 누구나 느낄 수 있는 아름다움을 이야기하고 싶다.

항아리의 어깨에서 시작해 부드럽게 내려오는 곡선, 입구에서 몸체를 지나 바닥까지 이어지는 단 하나의 선. 우리는 특별한 설명 없이도 그 선에서 안정감과 균형, 생명력을 느낀다. 마치 오래된 달항아리를 바라볼 때 이유를 설명하지 못해도 아름답다고 느끼는 것처럼 말이다.

이번 전시의 작품들은 화려한 장식이나 복잡한 상징을 담고 있지 않다. 다양한 형태의 항아리를 통해 선이 만들어 내는 리듬과 긴장, 균형과 여백을 보여주고자 했다.

선은 단순하지만 결코 단순하지 않다. 하나의 선은 형태를 만들고, 공간을 만들며, 감정을 만든다.

 나는 이번 전시를 통해 관람객들이 작품을 이해하기 위해 애쓰기보다, 먼저 바라보고, 느끼고, 자신의 감각으로 받아들이기를 바란다.

가장 단순한 선이 가장 깊은 아름다움이 될 수 있다는 것.

그것이 이번 전시가 전하고 싶은 이야기이다.

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<전시정보>

■ 전시 장소 : 충북 청주시 상당구 상당로81번길 63. 1층 갤러리 원

■ 전시 일정 : 2026.08.12 (수) ~ 2026.08.17 (월)

■ 관람 시간 : AM 11:00 ~ PM 20:00

■ 입장료 : 무료

■ 관람 일정 : 월~일 (연중무휴)

■ 문의 : (043-221-5985)

■ 홈페이지 :청주 갤러리 원 (@cheongju\_gallery\_one) / blog.naver.com/gallery\_one​